À l’occasion de la sortie de la série « Mister Hyde contre Frankenstein » aux éditions « Soleil (Collection 1800) », DigitalUnivers.com vous propose une interview du scénariste « Dobbs ». Vous pourrez ainsi mieux le connaître et en savoir un peu plus sur ses projets futurs. Bonne lecture à tous !

D.U.com : Pour commencer, sur lequel de vos albums avez-vous préféré travailler ?
Dobbs : J’hésite entre « Ed Gein » pour lequel j’ai donné beaucoup d’énergie et testé beaucoup de techniques narratives (comme la voix off), et « Mister Hyde contre Frankenstein T1 », cette première série de la collection 1800 à laquelle j’ai contribué…

En ce qui concerne, l’album « Ted Bundy » vous a-t-il nécessité beaucoup de recherche ?
Enormément, bien plus que pour « Ed Gein »…
Pour le premier opus serial killer que j’ai écrit, il s’agissait plus d’un rendu d’ambiance rurale américaine dans les années 1950 en restant sur des évènements locaux qui ont eu des répercutions plus grandes. Pour la biographie du tueur Ted Bundy, il y a eu énormément de victimes, réparties sur plusieurs années et dans plusieurs zones géographiques éloignées. Vous rajoutez des péripéties avec des évasions, le rapport complexe aux médias des années 1970 et vous obtenez un travail de fourmi pour rendre la teneur des faits en 46 planches de BD…

« Ted Bundy » est un tueur en série fascinant avec une personnalité complexe, qu’est-ce qui vous séduit le plus dans ce personnage ?
Je ne suis ni séduit, ni fasciné…
Il s’agit pour moi d’un cas d’école dans le domaine criminel, un vrai psychopathe bien intégré dans la société moderne des USA. Il m’a donc intéressé pour faire le contre portrait de Ed Gein, qui lui était (pour simplifier) un psychotique, obsédé par l’image morbide de sa mère possessive.

Comment l’idée de l’histoire de « Mister Hyde contre Frankenstein » vous est-elle venue ?
Il s’agissait d’un travail conjoint de brainstorming sur des pistes à exploiter ou pas avec Jean-Luc Istin, le directeur de collection de 1800. Il m’a proposé à l’époque plusieurs titres et personnages dont un « Frankenstein contre Hyde » pour un concept de collection qui ne s’appelait pas encore « 1800 » mais « Versus » (pour signifier l’affrontement de grands personnages fictionnels). j’ai pris l’option sur le sujet et on a commencé à travailler pour en arriver à cette version quelques mois plus tard…

Pourquoi avoir choisi les personnages de «  Mister Hyde » et de « Frankenstein » ?
Parce qu’il nous a paru évident à un certain moment de nos échanges de les faire se rencontrer comme deux monstres incontournables du genre gothique/SF, deux créatures vouées à la destruction, et appartenant à des univers très pulsionnels et obsessionnels.

La série « Mister Hyde contre Frankenstein » est annoncée en deux tomes, cela est-il suffisant pour développer cette histoire inédite ?
C’est court en effet, mais au regard de ce que je voulais faire c’est tout à fait suffisant. Dense certes, mais suffisant. De plus, comme dans Frankenstein, il y a des ellipses notables. La difficulté c’était d’insérer ce diptyque dans la lecture globale des deux œuvres littéraires premières.

Y aura-t-il un nouveau cycle ?
Non, je ne pense pas. Bien que certains personnages pourraient apparaître ailleurs, qui sait ?

Comment s’est passée la collaboration avec le dessinateur Antonio Marinetti ?
Elle fût très intéressante et très motivante. Antonio a le même sens cinématographique que moi et comprenait ma mise en scène. Malgré la barrière de la langue (il ne parle pas français et je ne parle pas l’italien), nous avons su échanger en anglais pendant toute la conception (par mail, messagerie etc). Un découpage traduit lui a été envoyé pour tout l’album, et on y revenait tous les deux page par page à partir de ses crayonnés.

Pouvez-vous nous en dire plus sur vos projets en cours et futurs ?
Juste après le tome 2 qui sort en août prochain, le tome 1 des « Mines du roi Salomon » (adapté de Sir Henry R Haggard) réalisé avec DimD sera publié. Cela sera ma 2eme série dans la collection 1800, en attendant ma 3eme qui sera un western réaliste basé sur les évènements qui mèneront à la chute de fort « Alamo »… J’ai d’autres projets déjà écrits et validés par Soleil qui n’attendent que des dessinateurs…

Quels sont les thèmes sur lesquels vous voudriez concevoir une bande dessinée (humour, heroic fantasy, science-fiction…) ?
L’humour je m’y suis frotté du temps de ma collaboration au Journal de Mickey et je trouve ça très difficile à écrire, très exigeant. Je n’ai pas forcément cette mécanique en planche de gags ou en strips, à voir si je peux y revenir un de ces jours. L’heroic fantasy lumineuse et manichéenne ne m’intéresse pas trop, je préfère la dark fantasy plus axée sur des antihéros, car ce qui fait pour moi le sel de l’écriture ce sont les méchants de service. J’ai aussi un projet de thriller contemporain et de la SF, mais il est encore trop tôt pour en parler.

Quels sont les scénaristes et dessinateurs avec qui vous aimeriez collaborer ?
J’aimerai coécrire quelque chose avec Jean-Luc Istin, il le sait, on verra si nos plannings coïncident un jour hehehe. J’ai beaucoup d’admiration pour le travail de construction graphique d’amis dans la profession, et si j’en cite un les autres vont me tomber dessus. Gérald  Parel (qui nous fait les couvertures de Mister Hyde) sait que j’aimerai bosser avec lui un jour, nous verrons bien…

Quelles sont vos bandes dessinées, manga ou comics ainsi que vos auteurs préférés ?
Alan Moore en tête, sans photo possible…
« Watchmen » est incontournable à mon sens. J’adore « Blacksad » aussi dans un registre plus axé sur le noir et le cinéma de genre.
Je relis souvent beaucoup de choses liées à Goscinny, avec nostalgie et respect…

En dehors de la bande dessinée quelles sont vos autres passions ?
Le cinéma et le monde du jeu (plateau, jeux vidéo, cartes etc)…
La photographie aussi, et la musique (ça va des Pogues, jusqu’à KC & the Sunshine, jusqu’aux musiques de film de Badalamenti, Horner ou encore Morricone)…
J’ai de moins en moins de temps pour tout ça, hélas…

Image : © Soleil

Rencontre entre l’éditeur Dupuis et Virginie Greiner, Christelle Pécout, Alexine et You, les auteures d’Hypathie et de Bianca.

Éditeur Dupuis : Racontez-nous comment tout a commencé… Pourquoi vous être impliquées dans ce projet ?

Virginie Greiner : En ce qui me concerne, cela a commencé par un coup de fil de Lucien Rollin, qui avait eu l’idée de cette collection, et qui connaissait mon goût pour le fantastique.

Alexine : Il faut savoir que Virginie et moi sommes passionnées de sorcières  (Lucien aussi d’ailleurs). Cela faisait un moment que nous en parlions, sans idée précise.

Virginie Greiner : Avec Lucien, Alexine et Bénédicte Gourdon, nous avons réfléchi à la manière dont cela pouvait fonctionner. Très vite, nous avons décidé que les albums de la collection devaient être distincts les uns des autres, mais reliés par un double fil rouge : un titre qui soit à chaque fois un nom féminin, dans une collection réalisée par des femmes.

Alexine : L’idée, c’est de sortir des sentiers battus et rebattus sur le sujet ! Nous avons envie de montrer autre chose que le cliché de la méchante sorcière qui incarne le mal et ne va pas plus loin.

Éditeur Dupuis : Justement, « montrer », en bande dessinée, cela passe par le dessin. Christelle et You, vous êtes les dessinatrices d’Hypathie et Bianca. Comment cette histoire a-t-elle démarrée pour vous ?

Christelle Pécout : Je me suis embarquée dans cette aventure sur l’invitation de Lucien et Virginie qui, connaissant déjà son travail, étaient tombés sur des essais que j’avais fait sur Alexandre le Grand. J’adore tout ce qui touche à l’Antiquité, j’ai donc tout de suite été conquise par l’époque, l’histoire et le personnage d’Hypathie. Le fait qu’elle soit un personnage historique méconnu a également compté.

You : La rencontre avec Alexine s’est faite de manière presque fortuite ; une amie commune nous a présentées. Auteure de livres pour enfants, sans grande expérience de la bande dessinée, j’ai commencé à esquisser les personnages de Bianca… Et cela a été une révélation ! Comme si je portais l’histoire et les personnages en moi.

Éditeur Dupuis : Raconter le destin de femmes qualifiées de sorcières, ce n’est pas innocent. Quel message souhaitez-vous faire passer à travers ce thème ?

Alexine : Il y a évidemment une portée militante dans notre démarche, mais attention ! Il ne s’agit pas du tout de s’installer dans une sorte de « ghetto » féministe. Bianca met en scène une femme qui manipule savoir et pourvoir d’une manière très particulière… Pour autant, je travaille aussi à des projets plus réalistes, où des femmes se voient accusées de sorcellerie et se trouvent mises au ban de la société (quand elles ne sont pas tuées), parce qu’elles dérangent l’ordre social établi.

Virginie Greiner : J’ai été frappée, lors des dernières élections présidentielles françaises, de lire, dans un article à propos de Ségolène Royal, qu’elle était une sorcière… Stupéfiant, n’est-ce pas ? C’est là que l’on réalise à quel point on vit, aujourd’hui encore, dans un monde à dominante masculine, où l’on a décidément du mal à digérer qu’une femme puisque accéder au pouvoir ! Dans le fond, la sorcière c’est cela : cette « autre » que l’on rejette dès qu’elle ose sortir de la sujétion dans laquelle on la maintient par l’ignorance et par la peur.

You : Raconter l’histoire de femmes stigmatisées comme sorcières, c’est aussi une manière de casser un autre cliché, celui de la femme qui, comme auteure, devrait se cantonner à créer des choses jolies, mignonnes, sans conséquence.

Virginie Greiner : Puisqu’on parle de message, je pense qu’il n’est pas anodin que des auteures de bande dessinée s’emparent du thème de la sorcière, une manière de renvoyer un autre écho de ce mot chargé de tant de souffrances, et une occasion, aussi, de dire quelque chose dans un milieu, celui de la BD, qui a du mal à laisser de la place aux femmes…

Éditeur Dupuis : Deux récits inaugurent la collection. Si l’un s’inspire d’un fait historique, l’autre en revanche relève de la fiction pure, mais tous deux mettent en scène des femmes marquantes. Que pouvez-vous nous dire des héroïnes que vous avez choisi pour accompagner la naissance de « Sorcières » ?

Virginie Greiner : Au départ, j’étais partie pour explorer une piste plus fantastique, mais j’ai trouvé pertinent de travailler sur un personnage qui a réellement existé, une femme exceptionnelle d’après les rares témoignages qui nous sont parvenus. Et puis j’ai découvert qu’un pape dont je me suis empressée d’oublier le nom, au XIème ou XIIème siècle, avait déclaré que si Hépathie avait été lapidée, c’est bien parce qu’elle était une sorcière… Une manière intéressante de définir une des femmes les plus savantes et les plus éclairées de l’Antiquité tardive !

Christelle Pécout : On a beaucoup parlé avec Virginie de la manière dont on avait envie de raconter l’histoire d’Hypathie. On a par exemple choisi d’éluder toute problématique amoureuse, puisqu’on ne sait rien de cet aspect de sa vie. Nous nous sommes concentrées sur l’Hypathie intellectuelle, indépendante et politique. Rendre l’atmosphère de l’époque a représenté pas mal travaillé, et un travail impressionnant !

Alexine : Pour Bianca, je voulais créer un personnage féminin tout-puissant, une sorte de matriarche implacable, le personnage de la grand-mère de Bianca et Carmine est né comme cela. Vous noterez qu’à l’inverse d’Hypathie, elle ne se heurte pas à la violence des hommes, c’est plutôt elle qui l’exerce sur son entourage. Elle n’est pas la sorcière, elle est la gardienne d’une tradition rigide qu’elle impose à ses petites-filles. En désignant l’une d’elles comme sorcière, c’est en fait son pouvoir à elle et celui de sa lignée qu’elle renforce.

You : Quand Alexine m’a parlé des personnages de Bianca, et m’a décrit leur caractère, j’ai rapidement esquissé les figures de Carmine et de Bianca. Nous sommes immédiatement tombées d’accord pour reconnaître en elles les personnages de l’histoire. La grand-mère m’a posé plus de problème, mais le déclic a eu lieu au moment où j’ai commencé à dessiner l’histoire. Là, sa physionomie est devenue évidente (effectivement, elle est l’autorité et la dureté incarnées)…

Éditeur Dupuis : En puisant dans l’histoire la légende et le fantasme attachés à la figure de la sorcière, vous revisitez totalement le mythe, quitte à le dynamiter. Mais s’il existait pour vous une figure de sorcière archétypique, quelle serait-elle ?

Alexine : Sans hésitation, la figure classique de la sorcière de Salem. La vraie sorcière, c’est celle-là : accusée, torturée et suppliciée, alors qu’elle est innocente et qu’elle ne peut absolument pas se défendre.

Virginie Greiner : La sorcière est une figure mouvante qui se redéfinit en fonction des époques et des peurs que les temps véhiculent. Il y eu la Grand chasse aux sorcières du Moyen-Âge européen, mais aussi « la chasse aux sorcières » américaine des années 50. À certains moments, les conditions sont réunies pour faire de l’autre une sorcière qu’il faut chasser. Potentiellement, nous sommes tous et toutes des sorcières. Ce n’est qu’une question de temps…

Christelle Pécout : Pour moi, c’est une femme dotée d’un pouvoir ou d’un talent, ce qui la placerait dans une situation de décalage par rapport à ses semblables.

You : À vrai dire, je ne m’attache pas à une figure de sorcière en particulier, mais plutôt à la manière dont la notion de sorcellerie a traversé l’histoire.

Interview et photos : Sorcières par Alexine Greiner Pécout (Christelle) You © Dupuis 2010

À l’occasion de la sortie de la série « Linked » aux éditions « Humanoïdes Associés », DigitalUnivers.com vous propose une interview des deux scénaristes Michaël Nau  et Mathieu Esteban. Vous pourrez ainsi mieux les connaître, en savoir un peu plus sur la série « Linked » ainsi que sur leurs projets futurs. Nous tenons tout particulièrement à les remercier pour leur sympathie et leur réactivité qui nous a permis de pourvoir réaliser cette interview. En prime, à la fin de celle-ci, vous trouverez une galerie de quelques planches de « Linked » tome 2. Merci à Mathieu Esteban et à Michaël Nau de vous les faire aimablement découvrir !

Michaël Nau : Pour le parcours professionnel, c’est assez simple. Comme beaucoup d’auteurs j’imagine, la chance n’y est pas pour rien. Je connaissais Guillaume Dorison depuis pas mal d’années et il savait ce que j’écrivais et ce que j’aimais lire. Après avoir recruté le dessinateur Jesus Orellana, il m’a montré son book pensant que cela correspondrait avec « mon univers ». C’est comme cela que j’ai commencé à écrire pour la collection Graphic Novel des humano’. Peu de temps après, durant une petite entrevue agitée au cours de laquelle j’essayais de promouvoir ma vision d’Alter, j’ai rencontré Esteban qui y était pour Linked.

Mathieu Esteban : Moi j’ai vu de la lumière aux humanoïdes associés alors je suis rentré… Non plus sérieusement, j’ai connu également Guillaume Dorison assez jeune. J’ai commencé à écrire des scénarios à l’âge de 15 ans et après mon Deug de lettres, vu que je ne voulais pas devenir professeur, la voie de l’écriture s’est imposée et c’est ainsi que j’ai proposé mon premier scénario aux Humanoïdes associés. Guillaume Dorison qui voulait monter sa collection Graphic Novel m’a alors contacté et voila comment je me suis retrouvé dans le même bureau que Mickael qui venait lui présenter un premier concept pour Alter. Et comme dit Mickael ce fut une entrevue agitée puisque Guillaume et Mickael ne parvenaient pas à trouver un terrain d’entente sur cette histoire. Il faut croire que trois cerveaux valent mieux que deux puisque c’est quand j’ai proposé une petite alternative que la situation s’est débloquée et que l’avortement d’Alter ne s’est pas fait dans l’œuf. J’étais quant à moi dans ce bureau pour présenter Linked et Guillaume qui avait dû pressentir notre complémentarité a décidé de nous faire collaborer sur nos projets respectifs.

D.U : Qui a eu l’idée de la conception du scénario de « Linked », sachant que vous avez déjà travaillé ensemble sur le premier tome de la série « Alter » ? Est-ce un concept commun ?

Michaël Nau : Esteban est venu avec le concept initial de Linked. Comme je vous l’ai dit, j’étais sur Alter à la base et Guillaume nous a fusionnés en quelque sorte. La structure définitive de Linked s’est un peu faite dans la douleur par contre. Mais, alors que nous luttions pour définir l’avenir de Charlotte, notre relation est passée de professionnelle à amicale. Nous n’en sommes pas encore au stade fusionnel par contre lol.

Mathieu Esteban : Comme Michael le souligne j’étais en effet arrivé dans le bureau de Guillaume Dorison avec sous le bras le concept de Linked. Mais comme le savent ceux qui écrivent, un concept ne fait pas une Histoire donc l’accouchement de Linked se fit dans la douleur. Il y eu donc bien 15 versions différentes (mais insatisfaisante à nos yeux) pour arriver à celle que vous pouvez aujourd’hui lire.

D.U : Pour « Linked », vous êtes vous inspirés de faits ou de personnages réels ?

Michaël Nau : A ma connaissance, Linked ne fait référence à aucun personnage ou faits réels. Tout est pure fiction mais je me souviens de quelques conversations le soir avec des amies pour connaître leurs points de vue sur certaines réactions de nos personnages. Etant un homme, c’est toujours assez délicat d’écrire des personnages féminins sans tomber dans le stéréotype le plus total. Travailler avec une dessinatrice nous a aussi beaucoup aidé. La scène où Charlotte coupe les cheveux d’Alice pour un nouveau départ est une idée de Maria et, en tant que mec, je pense qu’associer ces deux symboles ne me serait jamais venu à l’esprit.

Mathieu Esteban : En effet travailler avec une femme nous a beaucoup aidé pour donner de la profondeur aux personnages féminins. Sinon Michael et moi avons toujours été fascinés par les jumeaux donc le (les) personnage(s) des jumeaux s’est imposé de lui-même. Mais aucun personnage ou faits réels ne nous ont aiguillé à proprement parler dans cette histoire.

D.U : Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur les différents personnages et leur évolution dans l’histoire,  en particulier sur Charlotte, les jumeaux, Alice, Louis ou bien Julien.

Michaël Nau : Pour Charlotte et Alice, il nous tenait à cœur de les voir évoluer, que leur caractère change entre le début et la fin du tome, et de l’histoire bien sûr.

Charlotte parce que c’est l’héroïne et qu’elle se doit d’être une force motrice, de changer les cœurs de ceux qui l’entourent…

Pour Alice, parce que l’idée de découvrir cette force qui réside en chacun de nous et peut nous sortir de l’apathie est fascinante. Il est tellement facile de renoncer à tout que l’on ne se rend parfois plus compte de la différence entre vivre et survivre.

Louis est un alpha male. Lui et Julien sont un peu deux faces d’une même pièce. Louis ne supporte pas d’être faible et Julien est aussi bien attiré par la force que par la faiblesse. D’où son double jeu.

Quant aux jumeaux ils sont une bonne dose de contradiction. Ce sont des éléments du chaos, ce qui est rafraichissant et paradoxalement intriguant puisque leur gémellité en fait des copies conformes. Ils sont différents des autres parce qu’ils sont identiques.

Mathieu Esteban : Pour faire un résumé aussi global par rapport à tous les personnages cités, ce que je peux dire c’est que ce sont tous autant qu’ils sont des personnages subversifs. Il ne faut tout de même pas oublier d’où ils viennent et pourquoi ils sont là. Ce qui est sur aussi c’est que les alliances d’aujourd’hui ne seront peut être pas celles de demain…

D.U : Certains personnages aussi intrigants que les principaux font de brèves apparitions comme le professeur et l’infirmière. En apprendra-t-on plus sur eux dans le deuxième tome ?

Michaël Nau : L’infirmière jouera un rôle plus important volontairement ou non. Dans Linked, les professeurs ou les gardiens représentent diverses facettes du monde adulte. Des adultes en général. D’où leur antagonisme avec les jeunes adultes ou vieux ados prisonniers de l’institut.

Mathieu Esteban : Au delà des facettes je dirais même qu’ils représentent les institutions présentes dans le monde que nous connaissons, les traits ayant été bien évidemment grossis. Il y a aussi un professeur qui verra son histoire s’étoffer ou plutôt s’assombrir je dirais…

D.U : L’Institut Noé cache-t-il beaucoup d’autres secrets, mis à part ceux déjà révélés dans le premier tome ?

Michaël Nau : Beaucoup d’éléments ont été montrés sur l’institut mais pas encore leur raison d’être. Cela dit, Linked, encore plus qu’Alter, est avant tout une histoire de personnages. L’image de fin montre que ce sont leurs interrelations qui comptent.

Mathieu Esteban : Et d’où le choix du titre « Linked » puisque tout est lié dans cette histoire et la fin bouclera une boucle débutée ici dans ce premier tome. Et puis vous imaginez bien qu’on en a gardé sous le pied… enfin je crois…

D.U : Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur l’ancienne occupante de la chambre d’Alice, la mystérieuse Virginie ?

Michaël Nau : Non, on ne peut vraiment pas. Ce n’est pas tant pour l’histoire que pour Alice. En parler avant qu’elle ne franchisse cette étape elle-même ne l’aiderait pas.

Mathieu Esteban : Ah Virginie… Une longue histoire hein ? Une belle histoire… Mais trop longue pour qu’on vous en parle ici…

D.U : Savez-vous déjà, quand le deuxième tome de Linked paraitra ?

Michaël Nau : Quand nous aurons convaincu assez de personnes d’acheter le premier tome ^___^

Mathieu Esteban : Sinon hors ce petit détail le tome 2 est déjà bien avancé donc peu de temps après la tombée des chiffres…

D.U : Quels sont les thèmes ou les univers de bandes dessinées qui vous passionnent ?

Michaël Nau : Je suis essentiellement un lecteur de comics à la base. Mais, dans le comics, j’aime autant les super-héros Marvel que la ligne Vertigo beaucoup plus adulte. Je pense que tous les thèmes ou genres peuvent être abordés. C’est l’exécution qui compte. J’essaie de suivre des auteurs plus que des genres ou des séries.

Mathieu Esteban : Il est vrai que j’ai pour ma part une connaissance en bandes dessinées plutôt franco-belge et une attirance plutôt vers le polar ou la science fiction voire un mélange des deux et une petite note de sensibilité, tout ce qui peut ressembler de près ou de loin à un conte. Je suis donc friand de Blacksade, la Licorne, ou encore Alim le tanneur

D.U : Comment s’est passée votre collaboration avec Llovet Maria ?

Michaël Nau : Très agréable. Maria est une personne très enthousiaste. Ses seules revendications étaient sur la présentation des scripts en eux mêmes et, je dirais, le rythme de la narration. Il est normal que scénariste et dessinateur essaient de jouer sur leurs forces respectives pour se sentir à l’aise je pense. Pour cela, une bonne communication est essentielle.

Mathieu Esteban : En effet travailler avec Maria a été un vrai plaisir et le terme de collaboration est plein de sens puisque ce fut un réel échange entre elle et nous.

D.U : Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur le travail des deux dessinateurs Llovet Maria et Jesus Orellana avec qui vous avez collaboré pour « Linked » et « Alter » ?

Michaël Nau : Linked et Alter sont faits directement sur ordinateur. Il n’y a pas de sketches ou de story board. D’un point de  vue narratif, tous deux aiment les grands espaces de liberté. Des pages avec de grandes cases et peu nombreuses. Voilà tout ce que je sais sur leurs secrets de fabrication. Ah, si… ils vivent en couple, mais je ne sais pas comment cela joue sur leur travail.

Mathieu Esteban : Je pense que leur vie de couple leur permet d’avoir un avis sur le travail de l’un sur l’autre et là ou nous étions deux scénaristes pour l’histoire je ne suis pas loin de penser qu’Alter comme Linked ont bénéficié de presque deux dessinateurs. C’est a mon sens une chance et une force qu’ils ont puisqu’ils travaillent également comme coloristes ensemble…

D.U : Avec quels autres dessinateurs aimeriez-vous travailler ?

Michaël Nau : oh il y en a plein… Brian Azzarello (100 Bullet), Alex Maleev (Daredevil), John Cassaday (Planetary), J.H.William III (Detective Comics), Jock (The Losers), Chris Bacchalo (Death), Mike Mignola (Hellboy), Stuart Imonen (New Avengers), Tony Harris (Ex Machina), Adi Granov (Iron Man), Joelle Jones (12 reasons I love you), Jamie McKelvie (The Phonogram), … et la liste est encore longue.

Mathieu Esteban : J’en compte un bon nombre dans mes rêves comme Virginie Augustin (Alim le tanneur), Simon Andriveau (Le grand Siecle), Eric et Marc Moreno (Le régulateur), Xavier Philippe (croisade), Bernard Vrancken (IR$), Demare (Merlin), Philippe Buchet (sillage). Et j’en oublie sans doute beaucoup mais ce qui est sur c’est que si jamais un dessinateur désire travailler avec nous ce sera avec joie !

D.U : En ce qui concerne la série « Alter », le tome 2 est-il prévu ? Et si oui, combien pensez-vous faire d’albums ?

Michaël Nau : Cela nous attriste mais, pour le moment, un tome 2 d’Alter n’est pas à l’ordre du jour. Il y a pourtant déjà 2,5 chapitres de dessinés. Nous sommes, en ce moment même, en train de chercher d’autres solutions pour ne pas laisser mourir Alter.

Mathieu Esteban : Si la solution existe elle ne sera néanmoins pas en France…

D.U : Sur quels projets travaillez-vous actuellement ?

Michaël Nau : Nous n’avons plus rien en production pour le moment mais nous sommes en train de fignoler les présentations de plusieurs autres dossiers BD pour les présenter à des éditeurs.

Mathieu Esteban : En effet nous travaillons d’arrache pied en ce moment pour vous proposer peut être bientôt de nouvelles histoires…

D.U : Quels sont vos projets futurs ?

Michaël Nau : Du space opera, du post apocalyptique et du Chtulhu… grosso modo.  Ah oui, et jouer à Mass Effect 2.

Mathieu Esteban : Et t’as oublié Rock Band !! Rahhhh ! Bon et sinon nous sommes en ce moment sur 6 nouveaux projets qui seront sous peu présentés, alors on croise les doigts

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Quel a été votre parcours avant de devenir la dessinatrice de la série « Les épées de verres » ?

J’ai toujours eu une forte prédisposition  pour le dessin – j’ai commencé a dessiner à l’âge de 5-6 ans. Petite, je construisais des maisons pour mes poupées et je créais des histoires dessinées. Tout m’intéressait, une branche, un arbre, un cheval… tout ce que je voyais, je voulais le dessiner.

Une fois mes études terminées, j’ai travaillé pour un atelier de graphique publicitaire, à Bologne. Puis j’ai enchaîné pendant un an et demi sur différentes missions pour d’autres agences. C’est mon père, passionné de bd, qui m’a conseillé de me lancer. Petite, j’en avais lu beaucoup, mais le déclic, je l’ai eu en découvrant « Blueberry », de Giraud, en 1991. Il m’est apparu clairement, alors, que le dessin, c’était ma vie ! Alors j’ai commencé à travailler et à m’exercer, d’abord en copiant ses planches à l’encre de Chine et au pinceau, puis en dessinant, peu à peu, les miennes, sans modèle.

Je suis allée voir les éditeurs de Lucca Comics, avec mes dessins sous le bras, dans l’espoir de trouver du travail. Là, j’ai rencontré Berardi et Milazzo, les auteurs de Ken Parker, qui ont aimé ce que je leur ai présenté, et m’ont proposé de travailler avec eux.

A commencé pour moi une période d’apprentissage et de travail intenses. Je m’étais établie à Chivari (en Ligurie). Je travaillais avec Frisenda, Barbati et Bortolotti sous la supervision  de Berardi, on y passait nos jours et nos nuits. On travaillait comme des fous, tout le temps, même le dimanche pour le magazine mensuel Ken Parker. Un numéro bouclé, j’enchaînais sur Les Condamnés, avec Frisenda, ou encore sur une histoire de science fiction pour Zone X…

En 1997, j’ai commencé à collaborer sur la série Julia, avec Berardi, et c’est en 2001 que j’ai décidé  de développer des projets personnels : écrire des histoires, créer des personnages, travailler mon dessin et mes couleurs… J’ai expérimenté pas mal de techniques de mise en couleurs, et puis j’ai découvert la peinture. J’ai commencé à peindre d’après nature tout en continuant à avancer sur des projets de bande dessinée en parallèle. J’ai rencontré les éditeurs des Humanoïdes Associés en 2005. On a suivi quelques pistes, sur différents projets, puis ils m’ont fait connaître Sylviane Corgiat, et nous avons commencé ensemble à travailler sur le projet des Epées de verre.

Quelles sont les techniques que vous avez utilisées pour le dessin ?

Mon style et ma technique se nourrissent de mes propres expérimentations, et d’influences que je revendique :

- L’œuvre de Miyazaki

- La peinture du XIXème, l’illustration

- Les comics américains

Sinon, j’utilise l’aquarelle et parfois je solidifie les acryliques. Je repasse le tout à l’encre de chine.

Combien de temps avez-vous mis pour dessiner le tome 1 « Yama » sachant que le dessin est très détaillé et soigné ?

J’ai commencé le premier tome en 2006 et je l’ai terminé en novembre 2007.




Comment le personnage de Yama est-il né ?

Pour les personnages je m’inspire de mes amis, ou d’acteurs. “Yama”, par exemple, est une amie et “Dolmon” aussi. Pour « Yama », elle a mon caractère et ma personnalité. C’est un personnage déterminé, impulsif et fort. Yama petite fille ressemble beaucoup à l’enfant que j’ai été. Pour « Myklos », en revanche,  je me suis inspiré de l’acteur Mel Gibson.

Vous êtes vous inspirée de décors réelles ou sont-ils totalement imaginaires ?

Pour l’architecture de la cité ou du Palais, je m’inspire de ce que je vois dans les villes ou dans les livres.

Les créatures sont ma spécialité ; il suffit d’un museau, d’un motif d’ailes de papillon, du déhanchement d’un chien, pour que, à partir de tous ces éléments, me vienne l’idée de créer tels ou tels êtres imaginaires. Les indications de Sylviane sont très stimulantes pour moi. Nous sommes, Sylviane et moi, sur la même longueur d’onde, c’est très agréable de travailler ensemble.

Quant à la campagne, autour du village : je m’inspire des paysages, là ou j’habite. Les habitations de Karelane sont les vieux hameaux abandonnés de l’Emilie-Romagne. Karelane est un mixe entre Dubrovnik, Lecce et Siracuse. Les montagnes, les bois, les clairières  de Yama sont celles qui entourent ma maison.

Avez-vous déjà commencé le deuxième tome des « Épées de verre » ?

Je suis en train de travailler au deuxième tome. C’est un album très complexe, qui demande un grand soin dans le dessin et la mise en scène. Ce sera une surprise pour les lecteurs !

Quels sont les univers qui vous passionnent le plus ?

J’aime beaucoup la “Fantasy”, la Science-Fiction et le Western.

Avec quels scénaristes aimeriez-vous travailler ?

J’aime beaucoup travailler avec Sylviane Corgiat, car ce qu’elle écrit stimule mon imagination et ma créativité.

Pour d’autres collaborations, on verra dans le temps.

Sur quelles séries travaillez-vous actuellement ?

En même temps que les  Epées de Verre, je travaille à un projet de Western. Une histoire passionnante et très captivante. La technique sera différente, une nouvelle manière d’utiliser les couleurs.

Quels sont vos projets futurs ?

Je développe pas mal la peinture,  mais je ne cache pas que j’aimerais beaucoup travailler comme “designer” de personnages pour le cinéma.

J’espère continuer de dessiner des histoires de fantasy et de science fiction. Dans Les Epées de verre, j’aime particulièrement  les personnages de Dolmon et Vango, qu’on aperçoit dans le 1er tome. Je crois que se sont des personnages d’humains “modifiés” plutôt réussis. Peut-être, d’ailleurs, que je développerai le personnage de Vango…

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Comment est né le projet « Les épées de verres » ?

Laura Zuccheri m’a montré quelques dessins qu’elle avait faits pour un autre projet qui n’a pas pu voir le jour et m’a décrit ce qu’elle aimerait dessiner. C’est à partir de ces points de départ que j’ai imaginé mon histoire, toujours en me concertant avec la dessinatrice et ses envies graphiques.

Comment s’est passée votre collaboration avec Laura Zuccheri ?

C’est une interaction très forte entre nous deux : j’écris en fonction de ce que je sais comme de ce que je sens d’elle, elle réalise un premier crayonné des planches, nous revoyons ensemble la mise en scène et au final, je refais une dernière version des dialogues. Nous communiquons beaucoup via Internet et alternativement en français ou en italien.

Vous êtes vous inspirée d’une légende en particulier ?

Non, c’est plutôt un joyeux mélange qui part d’une réalité (heureusement fort lointaine) : comme toute étoile le soleil finira par épuiser son combustible, il mourra et par conséquent le système qui dépend de lui mourra aussi. J’aimais bien l’idée de créer un monde de fantasy qui souffre de graves problèmes environnementaux, écologiques ou climatologiques… Les épées sont des emblèmes traditionnels issus aussi bien de la légende du Roi Arthur que de toute une littérature d’aventures ou de fantasy où un héros entretient un rapport particulier avec une arme fétiche ou une arme douée d’une personnalité propre. Chaque épée de verre dans l’histoire est dotée d’un dispositif de protection qui ne reconnaît qu’une seule et unique personne pour l’extraire de son socle (comme l’épée d’Arthur), faute de quoi les tentatives malheureuses se soldent par une vitrification (ce qui peut rappeler la pétrification que la Méduse grecque infligeait à ceux qui croisaient son regard).

La référence principale pour Les Epées s’il fallait vraiment en avoir une, ce serait Myazaki pour sa fraîcheur, son rapport à la nature, sa dimension philosophique toujours présente derrière les contes les plus fantaisistes, en apparence.

Le personnage de Miklos qui est intrigant, a-t-il autant d’importance que l’héroïne Yama ?

Oui, dans mon esprit, c’est un tandem que forment les deux personnages. Yama occupe le centre de ce cycle car le fil rouge est fourni par l’histoire de sa vengeance.

Leur personnalité va-t-elle évoluer au fil de l’histoire ?

Yama passe de l’enfance à l’âge adulte. Mais à la fin de la trilogie, il lui restera encore beaucoup à apprendre car une grande partie de son enfance lui a été volée. Elle devra faire le deuil de ses parents (c’est ce deuil impossible qui alimente sa soif de vengeance), alors seulement elle pourra recommencer à « grandir » !

Quant à Miklos, c’est un personnage lui aussi complexe qui ne cesse d’évoluer. D’abord un soldat impitoyable et ambitieux. Puis une histoire d’amour malheureuse le transforme en ermite attendant la mort. Sa rencontre avec Yama le décide à affronter son destin. Il s’attachera à elle et contrairement à tout ce qu’il aurait pu croire de lui-même, il ira jusqu’à s’approprier le désir de vengeance de la jeune fille… Bref, c’est un personnage qui se défait au fil de sa vie de toutes ses carapaces pour découvrir sa part d’humanité…

Savez-vous combien de tomes comprendra la série les « Épées de verre » ?

A priori trois volumes pour terminer l’histoire de Yama qui constitue un mini-cycle en lui-même. La suite dépendra du succès de la série.

Pouvez-vous nous dire à quoi peuvent s’attendre les fans sur cette série ?

La quête initiatique est un prétexte pour permettre aux personnages de vivre leur quête personnelle : se venger, devenir une adulte et devenir une femme pour Yama ; se guérir du passé et accomplir une vieille promesse pour Miklos, et d’autres personnages à venir auront chacun une motivation qu’ils vont plaquer sur l’Épée et qui les poussera dans le sens d’une prophétie alors qu’ils ne sont ni messies, ni religieux… Si le succès est au rendez-vous, il peut en effet y avoir un deuxième cycle après le premier, nous permettant de retrouver deux autres épées, leur réunion donnant vraiment une clé pour que les personnages qui se seront rassemblés dans cette aventure, découvrent un autre monde où les attend une vraie surprise…

Dans votre carrière de scénariste, quel secteur vous passionne le plus ?

La bande dessinée me permet de raconter des histoires avec un premier lecteur qui n’est autre que celui ou celle qui va la dessiner. C’est cette façon d’écrire pour autrui, d’écrire pour des images qui est passionnante et unique avec la bande dessinée.

Sinon, bien sûr, comme la peinture est peut-être l’idéal de Laura Zuccheri, c’est le roman qui est le mien…

Avec quels dessinateurs aimeriez-vous travailler ?

Pour les raisons que j’ai décrites, je pense que l’aventure d’une bande dessinée est avant tout celle d’une rencontre. A priori, les styles de dessin qui m’attirent le plus sont ceux qui outre l’originalité, entretiennent peut-être des connexions ou des connivences avec les autres arts, la peinture ou le cinéma.

Avez-vous des projets en cours et futurs ?

J’aimerais beaucoup reprendre une collaboration avec Corrado Mastantuono, malheureusement mise en sommeil après le tome 3 d’Élias le Maudit. Je trouve que c’est un dessinateur génial – et méconnu en France. Sinon, ma collaboration avec Laura Zuccheri me comble, nous pensons ensemble à d’autres sujets dans un genre fort différent de la fantasy…

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Un titre qui lui sied à merveilles! Édité à 1000 exemplaires et réservé aux libraires et à la presse, ce tirage « 100 % » Bec, promotionnel est un véritable petit bijou!

Tout d’abord un grand merci aux éditions des Humanoïdes Associés pour ce chef-d’oeuvre ! Cet ouvrage regroupe une histoire complète de la série « Temps des Loups » à paraître en septembre 2006 et trois extraits des séries Carême (Sortie Septembre 2006), Carthago et Pandénium (Sortie janvier 2007) ainsi qu’une interview présentant ces travaux. N’étant malheureusement pas en vente, nous avons eu l’idée de vous faire partager au mieux tout ce qu’il contient !

LE TEMPS DES LOUPS : DAMONTE
Premier album où Christophe Bec est à la fois dessinateur, scénariste et coloriste. Comme il le dit lui – même avec un brin d’humour : « Auteur complet quoi ! ». Cette série est avant tout pour lui un hommage au cinéma fantastique des années 80. C’est en fait une sorte de western post apocalyptique. Suite à un cataclysme, le monde d’aujourd’hui n’est plus. Il a subi des bouleversements et a des airs du Moyen-âge. Dorénavant un seigneur local règne sur toutes les terres avoisinantes. Dans la petite ville perdue de Damonte, où un Colonel règne en maître, deux chasseurs ont disparu sans laisser de trace. Tout le monde tient pour responsable les loups et pense qu’ils ont été dévorés. Le diagnostic du docteur ne le confirme pas… Pendant ce temps un étranger de passage, loue une chambre dans l’unique hôtel de la ville. Son comportement énigmatique laisse pressentir qu’il fuit quelque chose. Mais quoi ?

CARTHAGO : LE LAGON DE FORTUNA
Sur cette série prévue en huit tomes, Christophe Bec est seulement scénariste. Le dessinateur est Eric Henninot (Il a déjà réalisé Alister Kayne chez Albin Michel) et la coloriste est Delphine Rieu. Les auteurs nous entraînent dans les profondeurs des mers avec de magnifiques décors ! 24 millions d’années avant J.C parmi les êtres vivants qui constituaient l’écosystème maritime, il existait l’ancêtre du grand requin blanc, le mégalodon (Carcharodon megalodon).  Inimaginable ! Le plus grand prédateur et le plus terrifiant ! 25 mètres de long sans parler de sa gigantesque mâchoire dont les dents font approximativement  la taille d’une main. Une véritable machine à tuer ! Une océanographe découvre qu’il existe encore des spécimens qui ont survécu dans un dédale de grottes alors que l’espèce est censée être éteinte. Scientifiquement c’est miraculeux, mais à lui seul il pourrait provoquer un désastre écologique…

Comment, à partir d’images fixes mises en mouvement, est-on arrivé à ce que l’on appelle de nos jours : film d’animation ?

Le mouvement de l’image hantait déjà les premiers hommes, les Egyptiens et les Grecs, mais sa recréation  date du XVIIe siècle avec les lanternes magiques (images peintes sur une plaque de verre mise en rotation, donnant du mouvement). Puis il y eut les ombres chinoises, les jouets optiques et l’invention du physicien belge Plateau : le phénakistiscope (appareil formé de deux disques, donnant l’illusion de mouvement par la persistance des images rétiniennes). Mais ces méthodes restent ludiques et très limitées !

LES PROGRÈS
En 1824, l’apparition de la photographie fait avancer l’étude du mouvement. En 1892, Emile Reynaud invente le praxinoscope et permet enfin de sortir la première projection de l’ancêtre du dessin animé, au musée Grévin. Mais le dessin d’animation évolue réellement  à partir de la création du cinématographe (reproduisant le mouvement par une suite de photographies) inventé par les frères Lumières en 1895. Le premier dessin animé cinématographique français, Fantasmagorie, réalisé par Emile Cohl, est projeté le 17 août 1908 à Paris. D’autres vont suivre, comme Les joyeux microbes, Les pieds nickelés, etc…

L’ÉVOLUTION ET LES PERSONNAGES-CLÉS
Le personnage culte, en 1919, est Félix le chat, créé par Pat Sullivan et Otoo Messmer. Puis en 1928, c’est Mickey Mouse, le premier dessin animé sonore, l’idole des jeunes. L’auteur, Walt Disney ne s’arrête pas en si bon chemin, et en crée de nombreux autres, notamment Blanche Neige et les sept nains, premier long métrage en 1937, qui obtiendra un succès phénoménal.

LE CARTOON À HOLLYWOOD
Il est difficile de s’imposer face au géant Disney, mais les studios ne manquent pas d’ingéniosité. La première pin-up du cartoon, Betty Boop, fait son entrée, puis c’est au tour de Popeye, la Panthère rose, Bip Bip et le Coyote, Tom et Jerry, Woody Woodpecker… En 1940, Bugs Bunny fait son apparition (l’un des créateurs était Frédérick Bean Avery, dit «Tex»). Ce dernier était considéré comme l’anti-Disney. Droopy est aussi l’une de ses créations, parmi tant d’autres. Les concurrents de Disney n’ont donc pas dit leur dernier mot.